Lo Sguardo e l'Ombelico - 28 gennaio 2017
Centro Culturale Candiani - Mestre Venezia

Riccardo Caldura (prof. di Fenomenologia delle Arti Contemporanee all’Accademia di Belle Arti di Venezia)

Fulvio Bortolozzo (docente allo IED di Torino, fotografo e curatore della rivista/laboratorio REST)




Ogni autore citato è linkato ad una pagina di riferimento per permettere di avere informazioni aggiutive.


Il rapporto tra la fotografia e l’arte è stato il centro del discorso del prof. Riccardo Caldura (insegnante di Fenomenologia delle Arti Contemporanee all’Accademia di Belle Arti di Venezia). Un escursus didattico che partendo dal lavoro di Lazlo Moholy-Nagy e dell’avanguardie Dada e Bauhaus arriva agli anni 60/70 con un altro fenomeno rilevante che è quello del New Topographics americano e degli inevitabili riversamenti negli artisti dell’europa di quegli anni e la nascita della scuola di Dusseldorf. Ci viene fatto osservare quanto il concetto alla base dell’intenzione dell’artista ed il metodo espressivo dello stesso sia preponderante rispetto alla fotografia che viene vista solo come una fredda operatrice che riporta il fatto in esame nel suo più realistico contenuto.
Nei suoi riferimenti troviamo Douglas Huebler ed Edward Rusha, che ci fà capire come il concetto prevale sull’atto fotografico . Passando alla scuola di Dusseldorf ci siamo concentrati sul concetto di griglia di Bernd ed Hilla Becher con gli allievi Andreas Gursky, Thomas Stuth e Alex Hutte.

Fulvio Bortolozzo invece ci propone una panoramica ricca di aneddoti, partendo dalla meccanicità delle fotografie di Edouard Baldus e Nadar, parlando poi di Alfred Stieglitz, Eugene Atget, Walker Evans, August Sander, Robert Frank, Mario Giacomelli, Lee Friedlander, arrivando a Stephen Shore, William Eggleston, Luigi Ghirri e Gabriele Basilico … non abbiamo avuto il tempo di continuare il percorso.
Rammento in queste righe che Fulvio è curatore di una rivista che si chiama “REST” e che potete trovare in vendita qui, inoltre tiene un blog sulla fotografia a questo indirizzo.

Fatto sta che in questo primo incontro abbiamo avuto maniera di ripercorrere la fotografia del ‘900 per riappropriarci di autori che ci serviranno per capire i percorsi dei prossimi ospiti. Abbiamo fatto le dovute distinzioni tra fotografia ed Arte, o almeno abbiamo capito in che casi la fotografia lo diventa. Non mi resta che ricordarvi che il prossimo autore Efrem Raimondi sarà da noi al centro Culturale Candiani l’11 di febbraio alla 18:30.

Si ringrazia ancora il Centro Culturale Candiani ed i suoi dirigenti nonché i tecnici e lo staff per avere creduto in questa iniziativa e contribuito al successo di questo incontro insieme allo sponsor tecnico PHOTO MARKET VIDEO di Mestre.




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Articolo apparso su "il Gazzettino di Venezia" in data 24 gennaio 2017

Letture estemporanee
Noventa Padovana 2016

170101 - Del vedere (ovvero, della cornice)

Nel guardare e nel saper escludere, ciò che non serve,
(nel vedere, dunque)
si raccoglie anche il sottile concetto del comprendere.
Non un comprendere limitato o parziale, come verrebbe da dire.
Ma partendo da una visione più ampia, più estesa,
una sottile ricerca che porti ad intuire solo ciò che ne è il fulcro.
Eliminando le ridondanze.
Levando.
Una metodica che ogni fotografo applica nelle immagini che produce.
Elimina tutto il mondo, a favore di una porzione di esso.
Quella porzione che sta nella cornice dell'inquadratura, in quel momento.
Quella porzione che ha ben compreso, quella che lui ha intuito,
che ha scelto dai suoi possibili 360°.
Ecco perché scopre che da un elemento banale,
da quello che mette nella cornice dell'inquadratura,
si può scorgere una piccola poesia di segni e di luce.
Ecco perché un fotografo utilizza,
anche nella vita che gli scorre difronte,
anche in quelle degli altri a volte,
ma sopratutto nella propria,
uno sguardo sintetico,
che dal marasma faccia affiorare,
solo il necessario.
Le tante, piccole, sinfonie di segni e di luci
di ombre e di movimenti,
di sentimenti, dolorosi o passionali,
di errori e di cose giuste,
di speranze e di delusioni.
Lì vede
lì capisce.
Ma lì,
non può esserci cornice che li separi.



Mestre 01.01.2017

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Intervista per ProntoPro
10 dic 2016

E' sempre con piacere che quando mi si chiede di parlare o di rispondere a delle domande sulla fotografia, accetto volentieri. Ancor di più se si vuole parlare della "Professione" del fotografo, che in quesi anni è completamente travisata, (ma mi accorgo al pari di tanti altri lavori sul territorio nazionale) ..

Allego qui il link dove dare una letta all'articolo.

Intervista per ProntoPro

Ciao a tutti!!

"The Sky over Nine Columns" - Heinz Mack - Biennale Architettura 2014 di Venezia all'Isola di San Giorgio -
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Supermoon
15 nov 2016
Mestre

L'attesa superluna di novembre è arrivata e l'ho fotografata dal giardino di casa mia. Nonostante il cielo fosse leggermente velato la foto è venuta abbastanza bene. Ho usato una Canon 5D Mark III con un obiettivo Canon 70/200 f2.8 più un duplicatore di focale Canon 2X. Ho scattato a 200 Iso, su cavalletto, con lo specchio alzato e l'oculare oscurato (anche se non serviva,) diaframma f22 e 1/80 di tempo. Ho sviluppato il file RAW con Capture One 9. Ho croppato l'immagine ed ho estratto il 100% dell'area che mi interessava senza interpolazioni.

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09 ottobre 2016
La tragedia del Vajont
09 ottobre 1963

English abstract at the end.

Alcuni Numeri per commemorare:
I Morti furono 1917, ma non è un dato certo, di cui :
1450 a Longarone
109 a Codissago e Castellavazzo
158 a Erto e Casso
200 in altri Comuni.
487 i bambini, c/a 450 al di sotto dei 15 anni.
Ci vuole tutta la camminata dal parcheggio alla chiesetta commemorativa per completare tutte le bandierine che ricordano, ognuna, i bambini morti nella tragedia, e la loro età.
I danni furono stimati in 900 Miliardi di Lire.
2 Km la lunghezza della frana.
270 milioni di metri cubi tra rocce e terra che si sono staccati dal monte "TOC" (in friulano “Patoc” significa marcio).
20 secondi il tempo della frana di arrivare nel bacino acqueo.
3 le onde che si generarono con effetti devastanti, e con direzioni differenti.
50 milioni di metri cubi la terza onda che scavalcò la diga, la quale rimase intatta, e che si riversarono a valle.
150 mt l’altezza dell’onda.
100 km/h la velocità stimata dell’onda che ha raso al suolo Longarone.
Pari alla bomba atomica sganciata su Hiroshima, la forza dell’onda d’urto dell’acqua che precipitava a valle.
Più di 10.000 di militari aiutarono i superstiti.
I colpevoli non furono mai condannati.

Foto: La camminata sul Vajont ph. © Giovanni Cecchinato 2016

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Women : Annie Leibovitz (Milano)
Fabbrica Orobia 15 Milano
9 settembre - 2ottobre


Milano 20 settembre 2016
Annie Leibovitz documenta il nostro tempo da quasi mezzo secolo. Nel 1970 le sue fotografie cominciarono ad apparire su Rolling Stone, che a quei tempi era una rivista giovane ed emergente di politica e cultura popolare. Da li in poi ritrae molti personaggi pubblici conquistando fama e notorietà per il suo stile pulito ed essenziale. I richiami ai grandi maestri reinterpretati con la sua visione acutizza le sue fotografie rendendole delle vere icone, come la sua foto di John Lennon nudo sopra ad Yoko Ono, scattate poche ore prima che gli sparassero. il suo progetto "Women" iniziato con Susan Sontag è in esposizione a Fabbrica Orobia a Milano. Uno spazio inusuale come la mostra stessa che mira ad essere un punto di incontro e di riflessione più che un esposizione convenzionale. Grandi "led wall" con tutte le sue più importanti fotografie del progetto ed un muro con appuntate a spilli alcune foto che vengono descritte con cura ed attenzione in un opuscolo fornito gratuitamente. Una mostra che riserva anche la sorpresa di essere gratuita in una location davvero affascinante, dove i visitatori possono anche dedicare del tempo alla visione di molti libri di fotografia di tutto rispetto.

Qui il link di Fabbrica Orobia

47ˆ Edizione - Settimana di apertura dal 4 al 10 luglio 2016
Dopo circa 8 ore di guida, arrivo ad Arles, una cittadina appena al di sopra di Marsiglia, posizionata a Nord solo a pochi chilometri dalla foce del Rodano. Arles è il più grande comune della Francia, con un territorio superiore a quello di Parigi. I monumenti più importanti, però, sono a pochi passi l'uno dell'altro, nel centro storico di questa bella cittadina che vivacchia placida sulle sponde del Rodano. Ha un passato glorioso, di cui conserva l'Arena e il Teatro Romano, a cui bisogna aggiungere il portale e il chiostro della Chiesa di St. Trophime, tutti entrati a far parte del Patrimonio mondiale dell'Umanità tutelato dall'Unesco. Arles è punto di passaggio obbligato durante una visita in Provenza, soprattutto per chi vuole visitare la Camargue.

Quando arrivo il cielo è terso e spira sempre una brezza da nordovest che rinfresca la calura e la rende secca. Così, tramite il presidente del Fotoclub Padova, al quale mi sono aggregato, in maniera metodica ed organizzata mi sono preparato a questa mia prima visita a "Les Rencontres de la Photographie".

Qui vi metterò alcuni scatti ed alcune considerazioni



Già la prima mostra mi colpisce ed affascina, "La perfetta imperfezione", (una collettiva ... parliamone ... uno degli artisti è Joan Fontcuberta) un esempio a dir poco lampante sul concetto di fotografia d'arte. Spesso se ne discute in maniera anche fin troppo ampia. Ma il succo rimane che la fotografia artistica è il mezzo con cui un artista contemporaneo si esprime, cioè la fotografia diventa un mezzo, non l'origine, non viene da un "fotografo" e prioritariamente campeggia il concetto o ancor di più il progetto di comunicazione ed il suo relativo linguaggio. Per cui se vedi foto come queste e ti viene il classico "ma che che foto sono?" "non capisco.. ma che c...o di foto!", ecco, ... passa oltre che và bene ...



Don Mc Cullin, non ha bisogno di presentazioni, una bellissima antologia dei suoi più famosi lavori in una delle location centrali. Mostra bellissima, dove peraltro si ha l'occasione di vedere com'era Palmira, prima di venire distrutta dai talebani. Dai suoi primi lavori alle ultime riflessioni sui paesaggi. Qui un accostamento a Salgado viene ovvio, anche lui distrutto interiormente dalle visioni delle guerre torna a sublimare la bellezza della terra ... per cucire e guarire le sue cicatrici dell'anima ... come il fotografo brasiliano ... però con meno ... meno pubblicità.



Ad Arles ogni muro è buono per diventare una piccola esposizione, rimandi, appuntamenti, feste, vernici, di tutto... tanti giovani artisti non selezionati appendono le loro foto sui muri.. una maniera a basso budget per far vedere i propri lavori.



Uno dei punti di ritrovo principali della cittadina è la piazza Du Forum, dove tutti i ristorantini in queste settimane lavorano senza sosta. Un punto dove ti puoi ritrovare a mangiare a fianco di qualche celebrità del mondo fotografico che mangia la tua stessa paella. Lì si danno appuntamento tutti e nel caos generale la vita della cittadina diventa una specie di movida fotografica.



Oltre alle esposizioni ufficiali, un centinaio di altre location vengono adibite ad esposizioni. Così ti può capitare di entrare in un garage fino a poco tempo prima abbandonato, che invece ospita i giovani emergenti della fotografia europea. (sic! .... e che foto!)



Interessante lo Yakusima Photography Festival che porta i suoi migliori lavori ad Arles. In uno bello spazio le fotografie giapponesi emergono in tutto il loro minimalismo, e con la solita armonia insita dei loro paesaggi. Sperimentazione di alcuni, documentazione di altri. Anche le modalità di esporre diventano gioco visivo.





In una cittadina che mi ha sorpreso, per la mitezza del clima, e l'aspetto, un po fatiscente degli edifici, non poteva mancare un aspetto turistico che però, pare appassioni tantissimo i camarguesi. La "Course Camarguaise", una sorta di scontro con il toro, che (per fortuna) non viene ucciso ma solo affrontato da un gruppo di corridori che devono sfilare una marca dalle corna dell'animale, di corsa ... tenendo conto che l'animale spesso rincorre ferocemente chi gli si avvicina. E le incornate sono frequenti .... (... non rompete le balle al cavaliere nero!!)





Qualche aspetto serale degli incontri che si protraggono fino a tarda sera.



Les Ateliers, uno spazio enorme dove gran parte delle esposizioni si concentra. Un vecchia zona industriale riconvertita, bellissima, dove a fianco la grande archistar Frank Gehry, sta realizzando una zona di esposizione veramente futuristica.



La lettura dei portfoli avviene in varie parti della città. Centinaia di giovani si avvicendano per sottoporre ai "guru" i loro lavori. Ad ognuno sono concessi 20min, qualche settimana prima dell'apertura della manifestazione tutti i lettori erano "sold out" ... ma quanta fotografi ci sono?



Il Maestro Ferdinando Scianna ad Arles per una sua esposizione in una delle gallerie del centro.



A pochi chilometri da Arles, il mediterraneo lambisce Les Saintes Maries de la Mer ... un piccolo ma carinissimo paese, vale la pena trascorrere qualche ora.





Una delle mostre che più mi hanno colpito, quella di Eamonn Doyle "END". Grandi fotografie di gente e posti di Dublino, portano a ragionare su degli elementi di decadenza del genere umano. Un europa anziana, spenta, preoccupata, la parte giovane senza futuro, schiavizzata dai mass media. Un lavoro enorme e grandioso, in termini fisici proprio. Alcune foto erano grandi come i muri che circondavano lo spazio espositivo. Coinvolgente.

Esponevano inoltre, Michael Ackerman, Andres Serrano, Maurizio Cattelan & Pierpaolo Ferrari, William Klein, Yann Gross, Bernard Plossu, Sid Grossman, Ethan Levitas / Garry Winogrand e tantissimi altri. Le mostre rimarranno aperte fino al 25 settembre 2016. Qui il sito ufficiale. Les Rencontres

Le domande del bianco e nero, ovvero del "meglio avere dubbi che avere solo certezze"
Piccolo vademecum ai quesiti del fotografo proto-cosciente.
Critica un sapiente e lo renderai ancor più sapiente. Critica uno stolto e ti farai un nemico.

Parte Tre - La post-produzione e la stampa

Ed eccoci arrivati alla terza parte.

Qui si aprono molte diatribe, dal post-prod si, al post-prod no. Fatto sta che da sempre su questo campo ci si è scontrati in molti, e con molte discussioni su di uno o sull'altro fronte.

Forse non a caso in questi giorni mi è capitato sottomano un articolo con intervista ad uno degli stampatori più influenti della scena milanese (forse mondiale) Roberto Tomasi. Qui l’articolo. Le considerazioni da lui fatte sono interessanti e a mio avviso tutte apprezzabili. Senza nulla togliere allo sviluppo analogico, le riflessioni sul futuro della stampa digitale sono realistiche. 

Storicamente il lavoro di un bravo stampatore era molto complesso, uno scatto buono era già frutto di un lavoro precedente soprattutto mentale da parte del fotografo , ma doveva venire necessariamente rifinito dallo stampatore. Un esempio sono queste foto di Thomas Hoepker su di Muhammad Ali, e una di Bob Henriques di HCB, ma esistono molti altri esempi.


Bob Henriques


Thomas Hoepker

A breve distanza di tempo la polemica su Steve Mc Curry ha acceso dibattiti polemici su tale pratica ... Ma se possiamo fare un ragionamento, a mio avviso, il tutto ha il limite definito dalla personalità, dal linguaggio, o dal pensiero espositivo dell’autore. Quindi il processo di post-produzione ai giorni nostri non si sottrae al compito di completare la valorizzazione del nostro scatto e questo richiede una buona dose di conoscenza e di tecnica. Senza andare a sbordare nel pacchiano o nel kitsch.

Tecnicamente dobbiamo arrivare ad un estrazione del nostro file RAW che sia quanto meno allineata con i profili che abbiamo impostato sulle nostre fotocamere. Dobbiamo conoscere a fondo il nostro estrattore RAW (sia esso Adobe CR, Lightroom o Capture One) (io propendo per l'ultimo) e arrivare alla nostra estrazione di un file Psd il più possibile pronto ed esente da vizi ed errori. 

Ricordando poi che nell’intervallo tra il bianco 255,255,255 ed il nero 0,0,0 esistono (guardaunpò) 254 gradi di grigio…. che sarebbe bene non diventassero alla fine solo 2/3 per moda o per imperizia… non sò se mi spiego …

PS!!! Ecco a cosa serve quell’immagine che ho allegato in evidenza all’apertura dell’articolo… che io uso come riferimento.

Ed ora proviamo a farci le domande inerenti alla post-produzione (sono solo alcuni spunti !!)

- Ho lavorato con i profili giusti tra la camera e l’estrattore raw?
- Ho gestito bene il contrasto?
- Quanto necessita un controllo per singolo colore, al fine di creare le giuste differenze di bianco e nero? Ergo: dall’immagine a colori ho prodotto un bianco e nero fedele?
- Ho capito bene come ritrovarmi un bianco non bruciato nell’immagine? (dunque NON 255,255,255) e mi rimando ai controlli da effettuare durante lo scatto!!
- L’immagine dove dovrà essere pubblicata (web o stampa?)
- Sto lavorando in maniera di preservare tutte le informazioni all’interno del file?
- Ho individuato le aree da schiarire e quella da scurire?
- Ho deciso il metodo con il quale andare a scurirle o schiarirle?
- Ho valutato se croppare l’immagine per darle maggior senso compositivo?
- Ho valutato prima di tutto, se l’immagine deve venire stampata, come trattarla?
- Successivamente ho pensato agli algoritmi migliori per portarla su web e farla apprezzare al meglio senza perdere definizione o avere eccessive maschere di contrasto?
- Ho intrapreso una visione di prova valutando i profili di uscita stampante / carta?
- Il profilo finale dell’immagine è adatto al web o alla stampa?

Per me queste sono le domande principali, e continuo a ripetere che poi, ad ognuno debbono sorgere le proprie e nel porsele ... trovare le strade per risolverle.

Fino a che ci creeremo i giusti dubbi, avremmo modalità di crescere, mantenendo la giusta fiducia nella nostra visione e la volontà di raggiungere i nostri progetti.

D’altra parte il piccolo sentiero che abbiamo percorso, ci ha fatto capire che non esiste uno scatto in sè che non sia preceduto da un pensiero e seguito da un lavoro di sviluppo.

"La fotografia non è facile, soprattutto per i fotografi" (S. Benedusi)

Adesso vi lascio ai vostri pensieri ed ai vostri scatti.

Ed qui ho finito con il tediarvi … :-D 

Ciao!